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domingo, 29 de diciembre de 2024
La Vida y Obra de Paul Gauguin
Eugène Henri Paul Gauguin, nació en París, el 7 de junio de
1848, y murió en Atuona, islas Marquesas, el 8 de mayo de
1903, a la edad de 54 años. Conocido como, Paul Gauguin, fue
un pintorposimpresionista.
El uso
experimental del color, y su estilo sintetista, fueron
elementos clave para su distinción, respecto al impresionismo.
El arte de Gauguin,
se volvió popular después de su muerte, parcialmente debido a los esfuerzos
del comerciante de arte, Ambroise Vollard, quien organizó
exhibiciones de su obra, casi al término de su carrera, y póstumas, en París.
Muchas de sus obras, se encontraban en posesión del coleccionista ruso, Sergei Shchukin, así como en
otras colecciones importantes.
Gauguin fue una figura importante del
simbolismo, participando como pintor, escritor, escultor, grabador, y
ceramista. Su experimentación audaz con el color, fue lo que colocó los
cimientos para el estilo sintetista del arte moderno, mientras que su
expresión del significado inherente de los temas en sus pinturas, bajo la
influencia del cloisonismo...
...fue lo que allanó la llegada
del primitivismo, y el regreso
al estilo pastoral (captura de la naturaleza, paisajes).
Su trabajo también
influyó en el uso de técnicas, como el grabado en madera, en la
realización de obras de arte. Su obra ayudó a la evolución de la pintura...
Desarrolló la parte más distintiva de su
producción, en el Caribe, en Martinica, y en Oceanía,Polinesia Francesa, volcándose
mayormente en paisajes y desnudos, muy audaces para su época, por su rusticidad
y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista, predominante
en su tiempo, en la cultura occidental.
Su obra, está considerada entre las más
importantes de los pintores franceses del
siglo XIX, y contribuyó decisivamente al arte moderno del siglo XX.
Van Gogh habló acerca
de sus pinturas de Martinica, diciendo:
¡Formidables! No fueron pintadas con el
pincel, sino con el falo. Cuadros que son, al mismo tiempo, arte y pecado [...]
Esta es pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale
del sexo.
Biografía
Primeros Años
Gauguin nació en París, y era hijo
del periodista antimonárquico, Clovis Gauguin, y de Aline Marie Chazal...
...hija de
la socialista y feminista, Flora Tristán, cuyo padre
formaba parte de una familia influyente en Perú.
Algunas
versiones sostienen que Simón Bolívar, fue el padre
de Flora Tristán, y por ende, posible bisabuelo biológico de Gauguin.
En 1850, la familia dejó París, y partió hacia Perú, motivados por el clima
político del período, tras el golpe de Estado de Napoleón III.
Su padre, Clovis,
murió durante el viaje, dejando a un Paul, de 18 meses de edad, su madre,
y su hermana, para arreglárselas por cuenta propia. Vivieron en Lima durante cinco años, con el tío de
Paul y su familia.
Las imágenes de Perú, terminarían siendo gran influencia en
el arte de Gauguin. Fue en Lima, donde Gauguin desarrolló su
primera infancia, y recibió los estímulos de su entorno limeño. Su madre
admiraba el arte precolombino, en especial, la cerámica, ya que colecciona
piezas de origen inca.
A raíz de su fascinación por las antiguas culturas
peruanas, Gauguin llegaría a usar la imagen de una momia peruana, en más
de veinte obras suyas.
Los primeros recuerdos de Gauguin,
fueron de cómo su madre usaba la vestimenta tradicional de Lima, un ojo que
espiaba detrás de su, manteau, el misterioso velo de un ojo que
usaban todas las mujeres de Lima. [...]
Él siempre sintió atracción por las
mujeres con un estilo tradicional a la vista. Este debió haber sido el primero
de muchos de los vestidos coloridos, que invadirían su imaginación.
A la edad de siete años, Gauguin y
su familia regresaron a Francia, llegando a Orléans, para vivir
con su abuelo. La familia Gauguin, era proveniente originalmente de esa área, y
eran jardineros, mercaderes, cultivadores, y verduleros: Gauguin significa, “cultivador
de nueces”.
Su padre rompió con la tradición familiar, al volverse
periodista en París. Gauguin pronto aprendió francés, sin embargo, su
lengua principal y preferida continuaba siendo el español.
Educación y Primer Empleo
Después de atender a un par de escuelas
locales, Gauguin fue enviado al prestigioso internado católico, Petit
Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin. Pasó tres años en esa escuela. A la
edad de catorce años, ingresó en el instituto Loriol en París, una
escuela preparatoria naval, antes de regresar a Orléans, para tomar su último
año en el, Lyceé Jeanne D'Arc.
Gauguin se registró como asistente de piloto en la marina mercante. Tres años
después, se une a la marina francesa, en la que sirvió dos años.
Su madre
murió el 7 de julio, de 1867, pero él no se enteró hasta pasados varios meses,
cuando en su estancia en India, recibió una carta de su hermana, Marie.
En 1871, Gauguin regresó a París,
donde consiguió un empleo como agente de bolsa. El novio rico de
su madre, Gustave Arosa, le dio un empleo en la, Bolsa de París; esto, cuando
Gauguin tenía veintitrés años. Se convirtió en un empresario parisino muy
exitoso, y así se mantuvo durante los siguientes once años.
En 1879, Gauguin
ganaba 30 000 francos al año, alrededor de 125 000 dólares
estadounidenses en 2008, siendo agente de bolsa, y el doble, cuando participaba
en negocios en el mercado del arte. En 1882, la Bolsa de París se
derrumbó, y el mercado del arte se contrajo. Las ganancias de Gauguin,
se deterioraron severamente, llevándolo a dedicarse a la pintura a tiempo
completo.
Matrimonio
En 1873, Gauguin se casó con
la danesa, Mette-Sophie
Gad (1850-1920).
Durante los siguientes diez años, tuvieron cinco hijos: Émile
(1874-1955)...
Para 1884, Gauguin se trasladó con su familia
a Copenhague, Dinamarca,
donde buscó una carrera como vendedor de carpas.
No fue un éxito: no sabía
hablar danés, y los daneses no querían lonas francesas. Por lo que Mette se
convirtió en la que sostenía la casa, dando lecciones de francés, a aprendices
diplomáticos.
Su familia de clase media, y su matrimonio,
se desmoronaron, después de once años, cuando Gauguin sintió el impulso
de pintar a tiempo completo. Gauguin regresó a París, en 1885, después
de que Mette-Sophie y su familia, le pidieran que se fuera, por haber
renunciado a los valores anteriormente compartidos.
El último contacto físico de Gauguin
con ellos, fue en 1891. Mette finalmente formalizó la separación en 1894.
Primeras Pinturas
En 1873, casi al mismo tiempo de sus
inicios como corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo
libre. Su vida parisina se centraba en el IX distrito de París.
Gauguin vivía en el 15 de
la calle Bruyère. Alrededor del área, se encontraban los cafés que
frecuentaban los impresionistas. Gauguin solía visitar galerías, y comprar
trabajos de artistas emergentes.
Formó una amistad con Pisarro, y le visitaba
los domingos, para pintar en su jardín. Pisarro le presentó a otros artistas.
En 1877, Gauguin, "se mudó cerca del mercado y a través del río
que llevaba a las pobres y recientes extensiones urbanas," de la ave. Vaugirard, XV distrito de
París.
Allí, en el tercer piso del 8 de la calle Cárcel, tuvo su primer hogar
con estudio. Su amigo cercano, Émile Schuffenecker, con una historia
similar a la de él, antiguo corredor de bolsa aspirando a convertirse en
artista, y Gauguin vivían cerca.
Gauguin mostró pinturas en las
exhibiciones impresionistas, llevadas a
cabo en 1881 y 1882, previamente la escultura de su hijo Émile, fue por un
tiempo la única escultura dentro de la, Cuarta Exhibición Impresionista,
de 1879.
Sus pinturas recibieron reseñas despectivas. Hoy en día, obras como, Los
Huertos de Vaugirard, son altamente valoradas.
En 1882, el mercado de valores se derrumbó,
y el mercado de arte, se contrajo. Paul Durand-Ruel, el principal comerciante
del arte impresionista, fue especialmente afectado por el derrumbe, y dejó de
comprar pinturas de artistas, como Gauguin.
Las ganancias de Gauguin
disminuyeron considerablemente, y en el transcurso de los siguientes dos años,
lentamente formuló sus planes para convertirse en un artista por tiempo
completo. Los siguientes dos veranos, pintó con Pisarro, y ocasionalmente
con Paul Cézanne.
En octubre de
1883, Gauguin le escribe a Pisarro, diciendo que había decidido ganarse
la vida pintando, "a como dé lugar," y pedía su ayuda para
lograrlo, la cual, al principio, Pisarro aceptó con gusto.
El enero siguiente, Gauguin
se mudó con su familia, a Rouen, donde él pensaba, debido a su estancia de verano con
Pisarro, podía encontrar importantes oportunidades. Sin embargo, la aventura
resultó ser infructuosa, y para fin de año, Mette regresó a Copenhague.
Gauguin
la siguió en noviembre de 1884, llevando consigo su colección de arte que
permanecería en Copenhague.
Francia 1885 ˗ 1886
Gauguin regresó a París, en junio de 1885,
acompañado de su hijo de seis años, Clovis. Los otros hijos, se quedaron con
Mette, en Copenhague, donde tenían el apoyo de familia y amigos, mientras que
Mette encontraba trabajo como traductora y maestra de francés.
Al principio,
Gauguin encontró difícil la reintegración al mundo del arte en París, y se
pasó el primer invierno de regreso sufriendo pobreza seria, obligado a tomar
empleos poco importantes. Finalmente Clovis se enfermó, y fue enviado a un
internado, la hermana de Gauguin, Marie, dio los recursos para
conseguirlo.
Durante su primer año, Gauguin produjo muy poco arte.
Exhibió 19 pinturas y un relieve de madera, en la octava y última exhibición
impresionista, en mayo de 1886.
La mayoría de estas pinturas, eran trabajos
antiguo realizado en Rouens o Copenhagues y, en general, no había nada
novedoso, aunque su obras Baigneuses à Dieppe, o, Bañistas en
Dieppe, introdujo lo que se convertiría en un tema recurrente, la mujer en
las olas.
Más tarde, ese mismo año, Gauguin se separó de Pisarro, quien a partir
de ese momento, se convertiría en un antagonista para Gauguin.
Gauguin pasó el verano de 1886, en la
colonia de artistas, Pont-Aven, en Bretaña. Le atrajo la
idea, porque era un lugar económico para vivir. No obstante, se encontró con un
éxito inesperado al convivir con los jóvenes estudiantes de arte, que acudían
en el verano.
Su naturaleza y temperamento pugilísticos, era un boxeador y
esgrimista talentoso, no fueron impedimentos para su vivencia en ese medio
socialmente relajado, a la orilla del mar. Gauguin fue recordado durante
ese período, tanto por su extravagante apariencia, como por su arte.
Entre los
nuevos socios, se encontraba Charles Laval, quien acompañó a
Gauguin el año siguiente, a Panamá y Martinica.
Ese verano, Gauguin realizó unos
dibujos pastel de figuras desnudas, similares al método de Pisarro, y de Degas,
exhibidos en la octava exhibición impresionista, en 1886. Principalmente
pintaba paisajes, como su obra, La Bergère Bretonne, o, "La
Pastora Bretona", en la que la figura, juega un rol subordinado.
Su
obra, Jeunes Bretons au Bain, o, "Jóvenes Bretones Bañándose",
introduciendo un tema, al cual regresaba cada vez que visitaba Pont-Aven, está
claramente endeudada con Degas, en cuanto a su diseño y audaz uso de color
puro.
Los dibujos inocentes del ilustrador inglés, Randolph Caldecott, que
solían ilustrar una guía popular en Bretaña, habían robado la imaginación de
los estudiantes de arte avant-garde, en Pont-Aven, ansiosos por liberarse del
conservadurismo de sus academias, y Gauguin los imitaba conscientemente,
en sus bocetos de las mujeres bretonas.
Esos bocetos, después fueron
convertidos en pinturas, cuando regresó a su estudio en París.
El más
importante de estos, fue la obra, Cuatro Bretonas, que marca claramente
la partida de su antiguo estilo impresionista, así como la incorporación de
algo cercano a la inocencia de la ilustración, de Caldecott, exagerando los
rasgos, hasta el punto de rayar con la caricatura.
Gauguin junto con Émile Bernard, Charles Laval,
Émile Schuffenecker, y muchos otros, regresaron a, Pont-Aven, después de
sus viajes a Panamá y Martinica. El uso audaz de color puro, y la
elección simbolista de temáticas,
son lo que distingue a lo que se conoce hoy en día como, la Escuela de Pont-Aven.
Decepcionado con
el Impresionismo, Gauguin
sentía que la pintura tradicional europea, se había vuelto muy repetitiva e
imitativa, y carecía de amplitud simbólica. En contraste, el arte de África y
Asia, le parecía lleno de simbolismo místico, y vigor.
Existió una moda en
Europa durante ese tiempo, de apreciar el arte de otras culturas,
específicamente la de Japón, (Japonismo). Él fue invitado para participar en la exhibición
dedicada a su obra, organizada por, Les XX, en 1889.
Cloisionismo y Sintetismo
Bajo la influencia del arte folclórico, y grabados japoneses, el trabajo de Gauguin,
evolucionó hacia el Cloisonismo, un estilo nombrado por el crítico, Édouard Dujardin, en respuesta
al método de Émile Bernard, para pintar
con áreas planas de color, y bordes resaltados, el cual le recordaba a Dujardin,
de la técnica medieval cloisonné de
esmaltado.
Gauguin apreciaba bastante el arte de Bernard, y además, su
atrevimiento con el empleo de un estilo que le resultaba idóneo a Gauguin,
en su búsqueda de expresar la esencia de los objetos en su arte.
En la obra, El Cristo Amarillo (1889), comúnmente señalada
como la obra, Cloisonista, por excelencia, la imagen fue reducida a áreas de
color puro, separados por bordes negros resaltados.
En tales obras, Gauguin
prestó poca atención a la perspectiva clásica, y audazmente eliminó las
graduaciones de color sutiles, de ese modo, prescindió de los dos principios
más característicos de la pintura post-renacentista.
Su pintura,
después evolucionó hacia el Sintetismo, en el cual,
ni la forma, ni el color, predominan, sino que cada uno tiene un papel
equivalente.
Martinica
En 1887, después de visitar Panamá, Gauguin
se pasó varios meses cerca de Saint Pierre, en Martinica, acompañado de su amigo
artista, Charles Laval.
Paul Gauguin se pasó aproximadamente los
siguientes 6 meses, en la isla de Martinica, de junio a noviembre de 1887. Sus
pensamientos y experiencias, están recopilados en sus cartas a su esposa Mette,
y su amigo artista, Emile Schuffenecker.
Gauguin llegó a Martinica por
la vía de Panamá, en donde se encontró en quiebra, y sin trabajo. En ese tiempo,
Francia tenía una política de derecho de retorno, que establecía
que si un ciudadano se encontraba en quiebra, o varado en una colonia francesa,
el estado pagaría por un viaje en bote de regreso. Al dejar Panamá, y al estar
protegidos por esta política, Gauguin y Laval decidieron bajarse del
bote, en el puerto St. Pierre, de Martinica.
Los académicos discuten si fue
algo intencional, o espontáneo, el decidir quedarse en la isla. Al principio,
la choza humilde en la que vivían, les era suficiente, y él disfrutaba ver a
las personas en sus actividades rutinarias.
No obstante, el clima en el verano
era caluroso, y la choza tenía goteras al llover. Gauguin también sufrió
de disentería y malaria.
En su estancia en Martinica, él produjo aproximadamente entre 10 y 20 obras, 12
siendo la estimación más común, además, viajó ampliamente, y es posible que
haya hecho contacto con una comunidad de inmigrantes hindúes; un contacto que
llegaría a influenciar su arte, a través de la incorporación de símbolos de
India.
Durante su estadía, el escritor, Lafcadio
Hearn, también estuvo en la isla. Sus relatos son usados como
una comparación histórica, para acompañar las imágenes de Gauguin.
Gauguin terminó 11 pinturas conocidas,
durante su estancia en Martinica, muchas de las cuales, parecen haber sido
desarrolladas en su choza, Sus cartas a Schuffenecker, expresan emoción por la
localización exótica, y los nativos representados en su pinturas.
Gauguin
afirmó que cuatro de sus pinturas de la isla, eran mejores que el resto. Las
obras en sí, eran de colores brillantes, ligeramente pintadas, y de figuras de
escenas del exterior. Aunque su tiempo en la isla fue corto, es seguro que fue
una gran influencia.
Él recicló algunas de sus figuras y bocetos, en pinturas
siguientes, como el tema en, La Cosecha de Mangos, que es reproducido
en sus fanes. Las poblaciones rurales e indígenas, permanecieron como un tema
popular en las obras de Gauguin, después incluso de su partida de la
isla.
Gauguin y Van Gogh
Las pinturas de Martinica de Gauguin,
fueron exhibidas en la galería de su comerciante de arte, Arsène Poitier.
Fueron vistas y admiradas por Vincent van Gogh, y su propio
comerciante de arte y hermano, Theo Van Gogh, cuya compañía, Goupil & Cie, hacía
negocios con Poitier.
Theo compró tres de las pinturas de Gauguin, por
900 francos, y arregló que las colgaran en las oficinas de Goupil, presentando
de tal forma a Gauguin, con clientes ricos. Al mismo tiempo, Vincent y Gauguin
se convirtieron en amigos cercanos, por parte de Van Gogh llegaba a ser casi
adulación, y trabajaban juntos, una colaboración que fue esencial para que Gauguin
pudiera formular su filosofía del arte. El arreglo con Goupil continuó aún, después
de la muerte de Theo, en enero de 1891.
Pero la relación de Gauguin con
Vincent, pasó a ser tensa. En 1888, por instigación de Theo, Gauguin y
Vincent habían pasado nueve semanas pintando juntos en la, casa
amarilla, de Vincent en Arlés.
Su relación se
deterioró con rapidez, y finalmente, Gauguin decidió irse. En la noche
del 23 de diciembre, de 1888, de acuerdo con un relato posterior de Gauguin,
Van Gogh lo confrontó con una navaja de afeitar, y fue más tarde esa noche, que
se cortó la oreja izquierda.
Envolvió el apéndice cortado, en una hoja de
periódico, y se lo entregó a una prostituta, llamada Rachel, pidiéndole que, “lo
guardara con cuidado”. Van Gogh fue hospitalizado el día siguiente, y Gauguin
se fue de Arlés. Nunca se volvieron a ver, pero se siguieron escribiendo, y en
1890, Gauguin incluso llegó al extremo de pedirle que formaran juntos un
estudio de arte, en Amberes.
Un autorretrato
esculpido, de principios de 1889, la, Jarra en forma de cabeza, parece hacer
referencia a la traumática separación de Gauguin y Van Gogh.
Según los
académicos alemanes, Hans Kaufmann, y Rita Wildegans, en un reportaje de la BBC,
publicado en 2009, Van Gogh no se cortó la oreja, sino parte del lóbulo
izquierdo.
Tampoco se lo cortó él, sino que se lo cortó Gauguin con una
espada durante una disputa, sin embargo, el dibujo de Félix Rey,
el doctor que lo trató, no admite lugar a dudas: fue cercenada la oreja
completa, salvo precisamente una parte del lóbulo.
En buena medida, la
confusión se debió a una carta de Signac, que
mencionaba que había cortado tan solo el lóbulo, pero la realidad es que Van
Gogh, se cubría con una banda y un gorro de piel, y así es como se
autorretrataba, por lo que nadie, ni siquiera Signac, podía afirmar nada al
respecto, fuera de sus propias conjeturas.
Gauguin más tarde declaró haber sido una
influencia de peso, en el desarrollo de Van Gogh como pintor, en Arlés. Aunque
Van Gogh sí experimentó un poco, con la teoría de Gauguin de pintar a
partir de la imaginación, presente en algunas pinturas del momento como, Memoria
del jardín en Etten, esto no le resultó cómodo ni idóneo, por lo que
regresó rápidamente a pintar, a partir de la naturaleza.
Gauguin y Degas
Aunque Gauguin logró sus primeros
avances en el mundo del arte, bajo el estilo de Pisarro, Edgar Degas fue su
artista contemporáneo más admirado, y fue una gran influencia en sus obras
desde el principio, con sus figuras e interiores, así como con sus grabaciones y
el medallón pintado de Valérie Roumi.
Él tenía gran respeto por el tacto y
dignidad artísticas de Degas. Fue la amistad más longeva y saludable de Gauguin,
durando toda su carrera artística hasta su muerte.
Además de ser uno de los primeros
partidarios, incluyendo el comprar las obras de Gauguin, y persuadir al
comerciante, Paul Durand-Ruel, de hacer lo mismo, nunca hubo un apoyo público a
Gauguin tan firme como el de Degas.
Gauguin también compró obras
de Degas, en los primeros años de 1870, y su propia predilección, en la
grabación por el monotipo, fue
probablemente influencia de los avances de Degas en ese medio.
Durand-Ruel, le
presentó una exhibición a Gauguin, en noviembre de 1893, la cual
organizó principalmente Degas, y recibió críticas variadas. Algunos de los que
se burlaron, fueron Claude Monet, Pierre-Auguste
Renoir, y su antiguo amigo, Pisarro.
Sin embargo, Degas
elogió su trabajo, comprando la obra, Te Faaturuma, o, La Melancolía, y admirando
la suntuosidad exótica del folclor conjurado de Gauguin. Como
agradecimiento, Gauguin le dio a Degas la obra...
... La Luna y la
Tierra, una de las pinturas exhibidas que atrajeron la crítica más hostil.
La
última versión de la obra, Jinetes en la Playa (dos versiones)
de Gauguin...
...es un recuerdo de las imágenes de caballos de Degas, que
comienza en los años de 1860, específicamente la obra...
...ElHipódromo y...
...Antes
de la Carrera, siendo un testimonio de su efecto duradero sobre Gauguin.
Degas después compró dos pinturas de Gauguin, en una subasta de 1895, para
recabar fondos para su viaje final a Tahití. Fueron...
Para 1890, Gauguin ya había
considerado hacer de Tahití su próximo
destino artístico. Una subasta exitosa de pinturas en París, en el Hôtel Drouot, en
febrero de 1891, junto con otros eventos como un banquete, y un concierto de
beneficencia, le proporcionaron los fondos necesarios.
El éxito de la subasta
fue ayudada por una crítica favorecedora de Octave Mirbeau, que fue
convencido por Gauguin, a través de Pisarro.
Después de visitar a su familia, en Copenhague, por la que sería la última vez,
Gauguin emprendió el viaje a Tahití, el 1 de abril de 1891, prometiendo
regresar como un hombre rico, y poder comenzar de nuevo.
Su intención declarada
era escapar de la civilización europea y de, “todo lo que es artificial y
convencional”. Sin embargo, se encargó de llevar consigo una colección de
estímulos visuales en forma de fotografías, dibujos y estampados.
Se pasó los primeros tres meses en Papeete, la capital de la
colonia ya muy europeizada. Su biógrafa, Belinda Thomson, observa que debió
haber quedado decepcionado de su visión de un idilio primitivo.
Él no fue capaz
de pagar la vida de placeres que quería en Papeete, y un intento temprano de un
retrato, Suzanne Bambridge, no fue muy querido.
Decide poner su
estudio en Mataiea, Papeari, a unos 45 km de Papeete, instalándose en una
choza de bambú, al estilo de los nativos. Aquí realizó pinturas que describían
la vida en Tahití, como...
...Ia Orana
Maria, esta última se convertiría en su pintura de Tahití más
valorada.
Muchas de sus pinturas más hermosas, datan
de este período. Se cree que su primer retrato de una modelo tahitiana, fue, Mujer con una flor. La pintura es
notable, debido a su cuidado con los delineados de características polinesias.
Él envió la
pintura a su patrón, George-Daniel de Monfreid, un amigo de Schuffenecker, que
se convertiría en el mayor devoto de Gauguin, en Tahití, y que para
finales del verano de 1892, ya se encontraba colgada en la galería de Goupil, en
París.
La historiadora de arte, Nancy Mowll Mathews, cree que su encuentro
con la sensualidad exótica de Tahití, tan evidente en sus pinturas, fue por
mucho, el aspecto más importante de su estancia.
A Gauguin le proporcionaron los
libros, Voyage aux îles du Grand Océan, de Jacques-Antoine Moerenhout, de 1837, y...
...État
de la société tahitienne à l'arrivée des Européens, de Edmond de Bovis, de 1855, las
cuales contenían relatos detallados de la cultura y religión olvidadas en
Tahití. Se sentía fascinado por los relatos de la sociedad Arioi, y de su dios
'Oro.
Debido a que los relatos no contenían ilustraciones, con las modelos
tahitianas posiblemente ya desaparecidas, él se permitió un ejercicio libre de
su imaginación, y ejecutó alrededor de 20 pinturas, y una docena de grabados en
madera, en el transcurso del año siguiente.
La primera de estas fue, La
semilla de Areoi, que representa a Vairaumati, esposa terrenal de Oro, obra
que se encuentra en la actualidad en el, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Su
libreta ilustrada, Ancien Culte Mahorie, está preservada en el,
Louvre y fue publicada como facsímil, en 1951.
En conjunto, Gauguin envió nueve de
sus pinturas a Monfreid, en París. Fueron finalmente exhibidas en Copenhague,
en una exhibición junto con obras del fallecido, Van Gogh.
Reportes de que habían
sido bien recibidas, aunque en realidad solo dos de las pinturas tahitianas
fueron vendidas, y sus primeras pinturas fueron comparadas desfavorablemente
con las de Van Gogh, fueron suficiente para alentarlo a contemplar el regresar
con otras setenta que había completado.
Él ya había agotado sus fondos de
cualquier manera, por lo que dependía de una ayuda económica del estado, para
conseguir un pasaje gratis a casa. Asimismo, Gauguin había sufrido
problemas de salud, diagnosticados como problemas del corazón, por el doctor
local, quien sugirió que pudieron haber sido señales tempranas de sífilis cardiovascular.
Gauguin escribió un diario de viaje, publicado
en 1901, titulado, Noa Noa, originalmente considerado como un
comentario sobre sus pinturas, y descripciones de sus experiencias en Tahití.
Los críticos modernos, sugieren que el contenido del libro fue en parte
fantasía y plagio.
En él, Gauguin reveló que en ese tiempo había tomado
a una niña de trece años como esposa nativa, o vahine, palabra
tahitiana para mujer, un matrimonio consagrado en el transcurso de una tarde.
Se llamaba, Teha'amana, pero la llamaba Tehura, en el diario de viaje, y ella
resultó estar embarazada para el final del verano de 1892.
Teha'amana fue
sujeto de varias de sus pinturas, incluyendo el retrato, Merahi metua
no Tehamana, o, Los ancestros de Tehaman, y el reconocido...
En agosto de 1893, Gauguin regresó
a Francia, donde continuó la ejecución de pinturas con temas tahitianos, como...
...Día
del Dios, y...
...Primavera sagrada, dulces sueños. Una
exhibición en la galería, Durand-Ruel, en noviembre de 1894, fue un éxito
moderado, al vender a precios elevados, once de sus cuarenta pinturas
exhibidas.
Gauguin se consiguió un apartamento en el 6 de la calle Vercingétorix, al
borde del distrito Montparnasse, que era
frecuentado por artistas, y así comenzó a organizar salones literarios semanales.
Se presentaba como una persona exótica, vistiendo prendas polinesias...
...además tenía un amorío público con una joven aún en sus años adolescentes, "mitad
india, mitad malaya", conocida como, "Annah la
javanesa".
A pesar del éxito moderado de su
exhibición en noviembre, Gauguin llegó a perder el patrocinio de
Durand-Ruel, debido a circunstancias que no son claras. Mathews lo caracteriza
como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas, Gauguin
perdió la oportunidad de introducirse al mercado Americano.
A inicios de 1894,
se encontraba preparando cortes de madera, usando una técnica experimental,
tomando temas de su diario de viaje, Noa Noa. Regresó a Pont-Aven,
para el verano. El año siguiente, intentó organizar una subasta de sus pinturas,
en París, similar a la de 1891, pero no fue un éxito.
No obstante, el
comerciante, Ambroise Vollard, mostró sus
pinturas en su galería, en marzo de 1895, pero desafortunadamente, no llegaron
a un acuerdo en esas fechas.
Gauguin envió una gran escultura de
cerámica, que llamó, Oviri, la cual había llevado al salón de la, Sociedad
Nacional de Bellas Artes, el invierno anterior en abril de 1895.
Existen
versiones conflictivas sobre cómo fue recibida: su biógrafa y colaborador en, Noa
Noa, y el poeta simbolista, Charles Morice, sostenían (1920) que su obra
fue, "literalmente expulsada de la exhibición", mientras que
Vollard dijo (1937), que la obra fue admitida únicamente cuando Chaplet,
amenazó con retirar toda su obra también.
En todo caso, Gauguin tomó la
oportunidad para incrementar su exposición al público al escribir una carta,
indignado con el estado actual de la cerámica moderna, a, Le Soir.
Ya en ese momento, estaba claro que él y
su esposa Mette, estaban definitivamente separados. Aunque hubo todavía alguna
esperanza de reconciliación, Gauguin y Mette discutían acerca de
aspectos económicos, y ninguno visitaba al otro. Gauguin inicialmente rehusó
compartir el legado de 13 000 francos, que su tío Isidore le había dejado
en herencia, poco después de su regreso.
A Mette le otorgó finalmente 1500
francos, pero indignada, decidió comunicarse con él, solo a través de
Schuffenecker, para que de ese modo llegase a sus amigos la noticia de su
traición, y que se viera humillado.
Residencia en Tahití.
Gauguin viajó de nuevo a Tahití, el 28 de
junio de 1895. Su regreso es caracterizado por Thomson, como algo negativo, su
desilusión con el ambiente del arte en París, marcado por dos ataques hacia él...
Mathews recalca que su aislamiento en París, se volvió tan
amargo, que no tenía otra opción más que volver a su lugar, en la sociedad en
Tahití.
Llegó a Tahití, en septiembre de 1895, y
pasaría los siguientes seis años viviendo, al parecer, una vida cómoda como un
artista colono cerca, o a veces dentro, de Papeete.
Durante este tiempo, Gauguin
fue capaz de sobrevivir por su cuenta, mediante una racha creciente y estable
de ventas, junto con el apoyo de amigos y simpatizantes, aunque hubo un período
entre 1898 y 1899, cuando sintió la necesidad de conseguir trabajo de
escritorio, en Papeete, de lo cual, no existen muchos registros.
Construyó una
choza en Punaauia, en un área diez millas al este de Papeete, establecida con
afluencia por familias ricas, en la cual instaló un gran estudio, sin escatimar
en gastos.
Jules Agostini, un conocido de Gauguin, y fotógrafo amateur
exitoso, fotografió la casa en 1896. Una venta de tierras tiempo después, lo
obligó a construir una nueva en el mismo vecindario.
Gauguin mantuvo posesión de un caballo y un
carruaje, para poder viajar a Papeete, para participar en la vida social de la
colonia, cuando lo deseara.
Se suscribió al, Mercure de France, (llegó
a ser accionista), para entonces el principal diario francés de críticas, y
mantuvo una correspondencia activa con sus colegas artistas, comerciantes,
críticos, y patrocinadores de París.
Durante éste año en Papeete, y en
adelante, él jugó un papel creciente en la política local, contribuyendo con el
diario local que se oponía al gobierno colonial, Les Guêpes, o, Las
Avispas, que se había formado recientemente, y que finalmente editó su
propia publicación mensual llamada, La Sonrisa: Un Periódico Serio,
después titulado, Un Infame Periódico.
Una cierta cantidad de
material artístico y cortes de madera de su periódico, sobrevivieron. En
febrero de 1900, él se convirtió en el editor de, Las Avispas, por
el cual recibió salario y continuó como editor hasta su partida de Tahití, en
septiembre de 1901. El periódico bajo su dirección, fue reconocido por sus
ataques burdos al gobernador, y a la burocracia en general, pero no era un
líder simpatizante de las causas nativas, aunque, de todas maneras, así fue
percibido.
Al menos durante el primer año, Gauguin
no produjo pinturas, informando a Monfreid que se concentraría en la
escultura. Muy pocos de sus grabados de madera de este período, sobrevivieron,
la mayoría fueron coleccionados por Monfreid.
Thomson declara que, El Cristo
en la Cruz, un cilindro de madera de medio metro de alto, presentó una
curiosa mezcla de temas religiosos.
El cilindro pudo haber sido inspirado por
grabados similares en Bretaña, como en Pleumeur-Bodou,
donde fueron cristianizadas obras por artesanos locales. Cuando Gauguin
regresó a la pintura, fue para continuar con su larga serie de desnudos
cargados de sexualidad, en pinturas como, Hijo de Dios o Nunca
Más. Thomson observa una progresión en la complejidad. Mathews nota un
regreso al simbolismo cristiano, que lo hubiera hecho popular entre los
colonialistas de la época, pero en ese momento, ansioso por preservar lo que
restaba de la cultura nativa, al resaltar la universalidad de los principios
religiosos. En estas pinturas, Gauguin se dirigía a la audiencia de sus
compañeros colonistas, en Papeete, no a su anterior audiencia, avant-garde, en
París.
Gauguin sufrió problemas de salud, y fue
hospitalizado varias veces, por una variedad de padecimientos. Mientras estaba
en Francia, Gauguin se rompió el talón, en una pelea entre borrachos, en
una visita a Concarneau. La lesión,
una fractura abierta,
nunca sanó debidamente. Desde entonces, padecía de llagas que aparecían en sus
piernas, y restringían su movimiento. Las trató con arsénico. Gauguin culpaba
al clima tropical, y describió las llagas como "eczemas", pero sus
biógrafos concuerdan en que esto era consecuencia de la progresión de la
sífilis.
En abril de 1897, Gauguin recibió
noticias de que su hija favorita, Aline, había muerto trágicamente de neumonía.
Este fue también el mes en que Gauguin se enteró de que debía abandonar
su casa, porque la tierra había sido vendida. Pidió un préstamo al banco para
construir una casa de madera más extravagante con bellas vistas al mar y las
montañas. Pero se excedió, y para el fin de año, se enfrentaba con la
posibilidad de que el banco lo expulsara. Con mala salud y endeudado, Gauguin
llegó al borde de la desesperación.
Al fin del año, Gauguin completó
su grandiosa obra ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?,
la cual fue reconocida como su obra maestra, y su último testamento artístico; en
una carta a Monfreid, le explicó que intentó suicidarse al terminarla. La
pintura fue exhibida en la galería de Vollard, en noviembre del siguiente año,
junto con otras ocho pinturas con temas similares que había completado en
julio. Esta fue la primera exhibición mayor en París, desde la realizada junto
con Durand-Ruel, en 1893, y fue un gran éxito, al recibir halagos sobre su
nueva serenidad por parte de los críticos. Sin embargo, ¿De dónde
venimos? recibió críticas mixtas, y Vollard, tuvo problemas para
venderla. Lo logró finalmente en 1901, por 2500 francos, alrededor de
US$10 000 dólares del año 2000, a Gabriel Frizeau, venta por la que
posiblemente Vollard recibió una comisión de 500 francos.
Georges Chaudet, el comerciante de Gauguin
en París, murió en el otoño de 1899. Vollard había estado comprando las
pinturas de Gauguin, a través de Chaudet, y entonces, hizo un acuerdo
con Gauguin directamente. El acuerdo le daba a Gauguin un
adelanto mensual de 300 francos, a cambio de la compra garantizada, de al menos,
25 de sus pinturas nunca antes vistas, al año por 200 francos cada una, y
además Vollard, se propuso proveerlo de materiales artísticos. Hubo algunos
problemas en el arranque para ambas partes, pero Gauguin al fin pudo
lograr su sueño de toda la vida, de vivir de nuevo en las islas Marquesas, en busca de
una sociedad aún más primitiva. Gauguin se pasó sus últimos meses en
Tahití, viviendo con comodidad, siendo prueba la libertad con la que gastaba
para entretener a sus amigos en ese tiempo.
Gauguin no fue capaz de continuar su obra
en cerámica, en las islas, por la simple razón de que la arcilla requerida, no
estaba disponible. Igualmente, sin acceso a una imprenta y un hectógrafo, Gauguin
tuvo que regresar al proceso de monotipo en su obra gráfica. Algunos ejemplos
supervivientes de estos estampados, son raros y caros a la venta.
La esposa, o vahin, de Gauguin durante
este período, fue Pahura, o, Pau'ura a Tai, hija de unos vecinos en Punaauia, y
de 14 años de edad, cuando la tomó como esposa. Le dio dos hijos, de los cuales
una hija murió en la infancia. El otro, un niño, lo crio sola. Sus
descendientes aún habitaban en Tahití, en la época en que la biografía de
Mathews fue realizada. Paa'ura rehusó acompañar a Gauguin a las
Marquesas, y estar lejos de su familia, en Punaauia. Antes ya lo había
abandonado cuando él se fue a trabajar a Papeete, que está a solo 16 km.
Cuando
el autor inglés, Willam Somerset Maugham, la visitó en
1917, no le pudo otorgar memoria útil de Gauguin, y hasta lo reprendió
por no haber traído dinero de la familia francesa de Gauguin.
Islas Marquesas
Gauguin había planeado vivir en las
Marquesas, desde que vio una colección de tazones y armas grabadas de las
Marquesas, cuando estaba en Papeete, en los primeros meses de su visita a
Tahití.
Sin embargo, encontró una sociedad que, como en Tahití, había perdido
su identidad cultural. De todas los grupos de islas del Pacífico, las Marquesas
eran las más afectadas por la importación de enfermedades occidentales, especialmente tuberculosis.
La población
de unos 80 000 habitantes, en el siglo XVIII, se había reducido
a unos 4 000.
Los misioneros católicos se impusieron, y en su esfuerzo por
controlar el alcoholismo y la promiscuidad, obligaron a los niños nativos a
atender a escuelas misioneras hasta la adolescencia.
El régimen colonial francés,
fue aplicado por la gendarmería, famosa por su
malevolencia y estupidez, mientras que los comerciantes, tanto de occidente
como de China, explotaron a los nativos terriblemente.
Gauguin se estableció en Atuona, en
la isla de Hiva-Oa, llegando el 16
de septiembre de 1901. Esta era la capital administrativa del grupo de islas,
pero era considerablemente menos desarrollado que Papeete, aunque existía un
sistema eficiente y frecuente de barco de vapor, para viajar entre ambas. Había
un doctor militar, pero no hospital. El doctor se mudó a Papeete, el febrero
siguiente y, desde entonces, Gauguin tuvo que confiar en los dos
trabajadores de salud que había en la isla, el aventurero vietnamita, Nguyen
Van Cam (Ky Dong), quien se estableció en la isla, pero no tenía formación
médica formal, y el pastor protestante, Paul Vernier, quien había estudiado
medicina, además de teología. Ambos se convertirían en buenos amigos.
Gauguin compró un terreno en el centro del
pueblo de la misión católica, habiendo primero conquistado al obispo local, al
atender a misa regularmente. Este obispo era monseñor Joseph Martin,
inicialmente contento con Gauguin, porque sabía que él se había aliado
con el catolicismo en Tahití, en su periodismo.
Gauguin construyó en su terreno, una casa
lo suficiente sólida como para sobrevivir un ciclón, que acabó con la mayoría
de las otras viviendas del pueblo. Fue ayudado en la tarea, por los dos mejores
carpinteros de la isla, uno de ellos llamados Tioka, tatuado de pies a
cabeza en la forma tradicional de las Marquesas, tradición interrumpida por los
misioneros. Tioka era un diácono en la congregación de Vernier, y se convirtió
en vecino de Gauguin después del ciclón, cuando Gauguin le regaló
una esquina de su terreno. La planta baja estaba al aire libre, y se usaba
solamente para comer, y como sala de estar, mientras que el piso superior, era
usado para dormir, y como estudio. La puerta al piso superior, estaba decorada
con un dintel tallado en madera, y jambas que sobrevivirían posteriormente en
museos. El dintel nombraba a la casa como, “Maison du Jouir," o, “Casa
del Placer”, mientras que las jambas asemejaban su anterior trabajo de 1889,
con la frase tallada en madera, Soyez amoureuses vous serez heureuses,
o, Enamoraros, sereís felices. Las paredes decoradas con, entre otras
cosas, su colección tan apreciada de 45 fotografías pornográficas, que compró
en Puerto Saíd, tras salir
de Francia. Al menos en los primeros días, hasta que Gauguin encontró
una vahine, o, esposa, la casa atraía multitudes de nativos por las
noches, que venían a apreciarla, venían a mirar las imágenes, y a celebrar toda
la noche. Sobra decir que esto no le agradaba al obispo, aún menos cuando Gauguin
colocó dos esculturas al pie de los escalones, satirizando al obispo y a su
sirvienta, supuestamente su amante, y todavía menos cuando, Gauguin
atacó al tan poco popular sistema escolar misionero.
El financiamiento estatal de las escuelas
misioneras, cesó como resultado de la nueva, Ley de Asociaciones,
de
1901 promulgada
por el imperio francés. Las escuelas continuaron como instituciones privadas,
pero con dificultades, aunque estas se agravaron cuando Gauguin declaró
que la asistencia a cualquier escuela, era únicamente obligatoria dentro de un
área de captación con un radio de unas dos o dos millas y media. Esto llevó a
varias hijas adolescentes, a ser retiradas de las escuelas. Gauguin llamó
al proceso, "rescate". Él tomo a una de estas chicas
como vahine, llamada Vaeoho, también Marie-Rose, la hija de catorce
años de una pareja nativa que vivía en un valle cercano a10 km. Esto no
pudo haber sido muy placentero para ella, debido a lo grotesco y nocivo de las
llagas de Gauguin para ese entonces, que requerían cambios de vendaje diarios.
No obstante, ella vivió con él voluntariamente, y el año siguiente, dio a luz a
una hija saludable, cuyos descendientes continúan viviendo en la isla.
Para noviembre, Gauguin se había
establecido en su nueva casa con Vaeoho, un cocinero (Kahui), otros dos
sirvientes (sobrinos de Tioka), su perro Pegau (un uso de sus iniciales PG), y
un gato. La casa en sí, aunque en el centro del pueblo, se encontraba en medio
de árboles y retirada de la vista. Los festejos terminaron y comenzó un período
de trabajo productivo, logrando enviar 20 lienzos a Vollard el siguiente abril.
Él pensó que encontraría nuevos temas en las Marquesas, expresándolo en un
escrito a Monfreid.
Yo creo que en las Marquesas, donde es
fácil encontrar modelos (algo cada vez más difícil en Tahití), y con nuevos
paisajes por explorar - con nuevos y mejores temas salvajes - yo podré lograr
cosas hermosas. Aquí mi imaginación se enfrió, y también el público ya se
acostumbró a Tahití. El mundo es tan estúpido, que si uno le muestra nuevos
lienzos con elementos terribles, Tahití se convertiría en algo comprensible y
encantador. Mis imágenes de Bretaña, ahora son agua de rosas gracias a Tahití;
Tahití será perfume, gracias a las Marquesas. (Carta LII a
George Daniel de Monfreid, Junio 1901).
Paul Gauguin
En realidad, en su mayoría, su obra de las
Marquesas, puede ser distinguida de su trabajo en Tahití, solo por expertos, o
por sus fechas. Pinturas como, Dos Mujeres, permanecen con un
origen incierto. Para Anna Szech, lo que las distingue es su reposo y
melancolía, aunque contienen elementos de inquietud. De esta forma, en la
segunda versión de, Jinetes en la Playa, que muestra nubes y
figuras espumosas, sugieren que se avecina una tormenta, mientras que las
figuras distantes a caballo, son semejantes a otras figuras similares en otras
pinturas que simbolizaban la muerte.
Gauguin escogió pintar paisajes,
naturaleza muerta, y estudios de figura en esta época, siempre con atención a
la clientela de Vollard, así evitando los temas de lo primitivo, y los paraísos
perdidos de sus pinturas de Tahití. Pero hay un trío significante de pinturas
de su período pasado, que sugieren preocupaciones más profundas. Las primeras
dos son, Jeune fille à l'éventail, o, Niña con Abanico, y Le
Sorcier d'Hiva Oa, o, Hombre de Marquesas en Capa Roja. La modelo para, Niña
con abanico, era la pelirroja Tohotaua, la hija de un cacique en la
isla vecina. El retrato parece haber sido tomado de una fotografía que Vernier envió a Vollard. La modelo para
la segunda pintura, pudo haber sido Haapuani, una bailarina exitosa así como
una hechicera temida, quien era amiga de Gauguin y, de acuerdo a
Danielsson, estaba casada con Tohotaua. Szech denota que el color blanco del
vestido de Tototaua, es un símbolo de poder y muerte en la cultura polinesia. Le
Sorcier, parece haber sido realizada al mismo tiempo, y muestra una
mujer a de cabello largo usando una capa roja exótica. La naturaleza andrógina de la imagen,
atrajo atención, confirmando la especulación de que Gauguin intentó
representar una persona con un tercer género. La tercera pintura es la
misteriosa y bella, Contes Barbares, o, Cuentos Primitivos, mostrando
a Tohotaua de nuevo en la derecha. La figura de la izquierda, es Jacob Meyer de Haan, un amigo pintor
de Gauguin de los días de Pont-Aven, quien murió años atrás, mientras
que la figura de en medio, es de nuevo andrógina, identificada por algunos como
Haapuani. La pose imitando a Buda, y el loto floreciendo, sugiere a Elizabeth
Childs, que la imagen es una meditación sobre el ciclo perpetuo de la vida, y
la posibilidad del renacimiento. Como estas pinturas llegaron a Vollard,
después de la repentina muerte de Gauguin, nada es sabido acerca de sus
intenciones en la ejecución de las mismas.
En marzo de 1902, el gobernador de la
Polinesia Francesa, Édouard Petit, arribó a las Marquesas, para hacer una
inspección. Fue acompañado por Édouard Charlier, como cabeza del sistema
judicial. Charlier era un pintor amateur, que fue amigo de Gauguin
cuando llegó a ser magistrado en Papeete, en 1895. Sin embargo, su relación se
volvió una de enemistad, cuando Charlier rehusó enjuiciar a la entonces vahine de
Gauguin, Pau'ura, por un número de ofensas triviales, como supuestamente
allanamiento de morada y robo, que cometió en Punaauia, mientras Gauguin
estaba trabajando en Papeete. Gauguin llegó al extremo de publicar una
carta abierta a Charlier, acerca del asunto en, Les Guêpes. Petit,
presuntamente avisado con antelación, rehusó ver a Gauguin para la
entrega de las protestas de los pobladores (Gauguin era su vocero)
acerca del injusto sistema de impuestos, el cual veía su mayor ganancia de los
gastos, en Papeete. Gauguin respondió en abril al rehusar el pago de sus
impuestos, y al animar a los pobladores, comerciantes y agricultores, a hacer
lo mismo.
Por esos tiempos, la salud de Gauguin
comenzó a deteriorarse de nuevo, al sentir los mismos síntomas como el dolor en
las piernas, palpitaciones del corazón, y debilidad en general. El dolor en el
tobillo llegó a ser insoportable, y en julio, se vio obligado a ordenar un
carruaje de Papeete, para poder moverse por el pueblo. Para septiembre, el
dolor era tan extremo, que tuvo que utilizar inyecciones de morfina. No obstante,
llegó a preocuparse por su nuevo hábito de prestarle su juego de jeringas al
vecino, por lo que cambió a láudano. Su vista le
empezaba a fallar, como fueron prueba, los anteojos que usó en su último
autorretrato. De hecho, tal retrato lo comienza a realizar su amigo, Ky Dong, y
después lo llegó a terminar Gauguin mismo, así explicando el estilo poco
característico visto en él. Muestra un hombre viejo y cansado, pero no
derrotado aún. Por un tiempo consideró el regresar a Europa, a España, para
recibir tratamiento. Monfreid le aconsejó.
Al regresar, arriesgarás el dañar ese
proceso de incubación de aprecio del público hacia ti, que se encuentra en
acción este momento. Ahora tú eres un artista legendario y único, que nos envía
obras desconcertantes e inimitables de los remotos mares del ser, las cuales
con las creaciones definitivas de un gran hombre quien, de alguna manera, ya se
ha ido de este mundo. Tus enemigos - y como todos los que molestan a los
mediocres tienes muchos enemigos - son silenciosos; pero no se atreven a
atacarte, ni siquiera pensarlo. Tú estás muy lejos. No deberías regresar... Tú
ya eres tan inexpugnable, como todos los grandes muertos; tú ya perteneces a la,
"historia del arte". -George Daniel Monfreid, Carta a Paul
Gauguin alrededor de octubre de 1902.
En julio de 1902, Vaeoho, para entonces
con siete meses de embarazo, dejó a Gauguin para regresar a casa al
valle de Hekeani, para tener a su bebé entre su familia y amigos. Dio a luz el
siguiente septiembre, pero no regresó. Gauguin ya no tomó otra vahine.
Fue en ese entonces que su riña con el obispo Martin, sobre las escuelas
misioneras, alcanzó su máximo. El gendarme local, Désiré Charpillet, al
principio amistoso con Gauguin, escribió un reporte al administrador el
grupo de islas, que residía en la isla vecina de Nuku Hiva,
en donde criticaba a Gauguin por alentar a los nativos de retirar a su
hijos de la escuela, así como de alentar a los pobladores para no pagar sus
impuestos. Por suerte, el puesto de administrador había sido ocupado
recientemente por François Picquenot, un viejo amigo de Gauguin desde
Tahití, y esencialmente comprensivo con él. Picquenot le aconsejó a Charpillet,
no hacer nada acerca del problema de las escuela, ya que Gauguin tenía a
la ley de su lado, pero sí le autorizó a Charpillet, el incautar los bienes de Gauguin
como pago por los impuestos, si todo llegara a las peores instancias.
Posiblemente debido a su soledad, y a veces su incapacidad de pintar, Gauguin
se dedicó a escribir.
En 1901, el manuscrito de Noa Noa que Gauguin
preparó junto con sus grabados de madera en el período en Francia, fue
finalmente publicado con los poemas de Morice en formato de libro en la edición, La
Plume (el manuscrito en sí ahora se encuentra en el museo de Louvre).
Algunas secciones, incluyendo su relato de Teha'amana, se habían publicado
antes pero sin los grabados en 1897, en, La Revue Blanche, mientras que Gauguin
mismo publicó extractos en, Les Guêpes, mientras era editor.
La edición, La Plume, fue planeada para incluir los grabados,
pero retiró su permiso para imprimirlos en papel liso, como los editores
querían. En realidad le había perdido interés a la aventura con Morice y
nunca vio una copia, rechazando una oferta de cien copias de cortesía. Sin
embargo, su publicación lo inspiró para considerar escribir otros libros. A
principio de años (1902), revisó un antiguo manuscrito de 1896-97 llamado, L'Esprit
Moderne et le Catholicisme, o, El Espíritu Moderno y el Catolicism,) acerca
de la Iglesia católica, añadiendo unas
veinte páginas que contenían relatos de sus tratos con el obispo Martin. Le
envió este texto al obispo Martin, quien respondió al enviarle una historia
ilustrada de la Iglesia. Gauguin regresó el libro con observaciones
criticándolo, que después publicó en sus recuerdos autobiográficos. Después, Gauguin
preparó un ensayo ingenioso y bien documentado llamado, Racontars de
Rapin, o, Cuentos de un Aficionado, acerca
de críticos y la crítica hacia el arte, el cual envió para publicarse a André
Fontainas, un crítico de arte en el, Mercure de France, quien tuvo
una crítica favorable para ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?,
que logró bastante para restaurar su reputación. No obstante, Fontainas,
respondió que no se atrevería a publicarlo. No sería publicado hasta 1951.
El 27 de mayo de ese año, el servicio de
bote de vapor, Croix du Sud, sufrió un accidente cerca de Apataki, y por un período de tres
meses la isla no tuvo correo o suministros. Cuando regresó el servicio de
correo, Gauguin atacó al gobernador Petit, en una carta, quejándose,
entre otras cosas, de la forma en la que fueron abandonados tras el naufragio.
La carta fue publicada por el, L'Indepéndant, el periódico sucesor
a, Les Guêpes, ese noviembre en Papeete. Petit de hecho había
seguido una política independiente, y en pro de los nativos, para decepción del
partido católico, y el periódico se preparaba para atacarlo. Gauguin también
envió la carta al, Mercure de France, que publicó una versión
redactada de ella, después de su muerte. Continuó con una carta privada a la jefatura
de la gendarmería en Papeete, quejándose de que su gendarme local, Charpillet,
se excedía en hacer que sus prisioneros trabajaran para él. Danielsson, explica
que, mientras que estas quejas y otras similares, estaban fundamentadas, la
motivación para ellas, fue la vanidad lastimada y pura animosidad. Sucedió que
Charpillet fue reemplazado ese diciembre por otro gendarme, llamado Jean-Paul
Claverie, de Tahití, menos amigable con Gauguin porque de hecho lo había
multado en su estancia en Mataiea, a encontrarlo bañándose desnudo en un río
local.
Su salud se deteriora más en diciembre, al
punto de que apenas era capaz de pintar. Comenzó una memoria autobiográfica que
llamó, Antes y Despué, publicada como traducción en EUA como, Intimate
Journals, que completó en un transcurso de dos meses. El título debía
reflejar sus experiencias antes y después su llegada a Tahití, y como tributo a
las memorias no publicadas de su abuela, llamadas, Pasado y Futuro.
Sus memorias fueron una colección fragmentada de observaciones de la vida en
Polinesia, su propia vida, y comentarios sobre literatura y pintura. Incluyó en
ellas temas de ataques como al de la gendarmería local, al obispo Martin, a su
esposa Mette, y a los daneses en general, y la terminó con una descripción de
su filosofía personal, concibiendo a la vida como una lucha existencial para
unir polos opuestos. Mathews señala dos observaciones finales a su filosofía:
Nadie es bueno; nadie es malvado; todos
son ambos, de la misma forma y en formas diferentes...Es tan pequeña, la vida
de un hombre, y aun así hay tiempo para lograr grandes cosas, fragmentos de la
tarea común.
Le envió el manuscrito a Fontainas para
edición, pero los derechos pasaron a Mette, al morir Gauguin, y no fue
sino hasta 1918, que se publicó, con una traducción al inglés en 1921.
Al inicio de 1903, Gauguin se
involucra con una campaña para exponer la incompetencia del gendarme de la
isla, Jean-paul Claveria, tomando el lado de los nativos directamente en un
caso que involucraba la supuesta borrachera de un grupo de ellos. No
obstante, Claverie escapó la censura. Al principio de febrero, Gauguin
le escribió al administrador Picquenot, alegando corrupción por parte de uno de
los subordinados de Claverie. Picquenot investigó las denuncias, pero no pudo
probarlas. Claverie respondió al acusar por difamación a Gauguin, quien
fue multado con 500 francos, y sentenciado a tres meses de prisión por el
magistrado local, el 27 de marzo de 1903. Gauguin apeló inmediatamente
en Papeete, y se propuso recaudar los fondos para viajar a Papeete, para acudir
a su apelación. Sin embargo, murió inesperadamente en la mañana del 8 de mayo
de 1903, de un presunto ataque cardíaco, antes de que pudiera escuchar el
resultado de su apelación. Fue sepultado el día siguiente, en el cementerio
católico local.
Muerte
Gauguin pasó las semanas después de ser
condenado por difamación del gendarme, preparando su apelación. En este período
estaba muy débil, y sufriendo gran dolor. Recurrió de nuevo a usar morfina.
Murió repentinamente en la mañana del 8 de mayo de 1903. Previamente había
convocado a su pastor Paul Vernier, pues había estado sufriendo desmayos.
Conversaron juntos un tiempo, y Vernier se fue, considerando que estaba en
buenas condiciones.
Sin embargo, el vecino de Gauguin, Tioka, lo
encontró muerto a las 11 de la mañana, confirmando el hecho al practicar una
tradición de las Marquesas, en la que se muerde la cabeza de alguien para
intentar revivirlo. Al lado de su cama, estaba una botella de láudano, lo cual ha
generado especulaciones de que fue víctima de una sobredosis. Vernier creía
que murió de un ataque cardíaco.
Gauguin fue sepultado en Cementerio
Católico Clavary, o, Cimetière Calvaire, en Atuona ,
Hiva 'Oa, a las 2 p. m. el día siguiente.
En 1973, una estatua de bronce
de su obra, Oviri, fue colocada sobre su tumba, ya que lo
indicó como un deseo. Irónicamente, su vecino más cercano en el cementerio es
el obispo Martin, con una gran cruz blanca sobre su tumba. Vernier escribió un
recuento de los últimos días de Gauguin, y de su entierro, reproducido
en la edición O'Brien, de las cartas de Gauguin hacia Monfreid.
Noticias de la muerte de Gauguin no
llegaron a Francia, y a Monfreid, sino hasta el 23 de agosto de 1903. En
ausencia de un testamento, sus posesiones menos valiosas, fueron subastadas en
Atuona, mientras que sus cartas, manuscritos y pinturas, fueron subastadas en
Papeete, el 5 de septiembre de 1903. Mathews señala que esta veloz dispersión
de sus bienes, llevó a la pérdida de mucha información valiosa acerca de sus
últimos años. Thomson señala que el inventario de la subasta de sus bienes, algunos
fueron considerados pornografía, revelaron una vida que no fue tan empobrecida
o primitiva como le hubiera gustado mantener. A su debido tiempo, Mette
Gauguin recibió las ganancias de la subasta, unos 4000 francos.
Una de las
pinturas subastadas en Papeete, fue, Maternidad II, una
versión más pequeña de, Maternidad I...
La original fue
pintada en el período en que su vahine era Pau'ura, en
Punaauia, cuando da a luz a su hijo Emile. No es sabida la razón por la que
pintó la copia más pequeña. Fue vendida por 150 francos a un oficial naval
francés, Comandante Cochin, quien dijo que el gobernador Petit, había ofrecido
hasta 135 francos por la pintura. Fue vendida en Sotheby por US
$39 208 000 dólares en el 2004.
El Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona
tiene una reconstrucción de, Maison du Jouir. La casa original
permaneció vacía por unos años, con la puerta aún llevando el dintel tallado
por Gauguin. Esto fue finalmente recuperado, cuatro de las cinco piezas
son mostradas en el, Museo de Orsay, y la quinta en el, Museo Paul
Gauguin, en Tahití.
En 2014, el examen forense de cuatro
dientes encontrados en un jarrón de vidrio en un pozo cerca de la casa de Gauguin,
llevaron a cuestionar la creencia habitual de que Gauguin sufrió sífilis. El
examen de ADN, estableció que los dientes eran muy seguramente de Gauguin,
pero no hubo rastros de mercurio, que era usado para tratar la sífilis en ese
entonces, sugiriendo entonces que Gauguin no padeció de sífilis, o que
no fue tratado por ella.
Hijos
Gauguin vivió más que tres de sus hijos;
su hija favorita Aline, que murió de neumonía...
...su hijo Clovis, que murió de una
infección en la sangre, después de una operación de cadera, y una hija que
tuvo su nacimiento retratado, en una pintura de Gauguin, de 1896,
llamada...
...Te tamari no atua, o, El Nacimiento de Cristo, y que era
hija de la joven amante tahitiana de Gauguin, Pau'ura. Ella murió solo
unos días después de su nacimiento, en la Navidad de 1896.
Su hijo, Émile
Gauguin, trabajó como un ingeniero civil en EUA, y fue sepultado en el, Cementerio
Lemon Bay, en Florida.
Otro hijo, Jean René, se convirtió en
un escultor reconocido, y firme socialista. Él murió el 21 de abril de 1961, en
Copenhague.
Pola (Paul Rollon) se convirtió en un artista y crítico de arte, y
escribió unas memorias, Mi Padre, Paul Gauguin (1937).
Gauguin
tuvo muchos otros hijos, por parte de sus amantes: Germaine (n. 1891) con
Juliette Huais (1866-1955); Émile Marae a Tau (n. 1899) con Pau'ura; y una hija
(n. 1902) con Mari-Rose.
Existe especulación de que la artista belga, Germaine
Chardon, era hija de Gauguin.
Emile Marae a Tai, analfabeta y criado en
Tahití por Pau'ura, fue llevado a Chicago en 1963, por la periodista francesa,
Josette Giraud, y fue un artista por derecho propio, sus descendientes aún
viven en Tahití al 2001.
Importancia Histórica
El primitivismo fue un
movimiento artístico de pintura y escultura de fines del siglo XIX,
caracterizado por exageradas proporciones corporales, tótems animales, diseños
geométricos, y contrastes claros.
El primer artista que utilizó
sistemáticamente estos efectos, y logró amplio éxito público, fue Paul
Gauguin.
La élite cultural europea, que descubría por primera vez el arte
de África, Micronesia, y los indígenas de América, se encontraban
fascinados, intrigados, y educados por el novedoso, salvaje, y crudo poder
plasmado en el arte de esos lugares tan lejanos.
Como Pablo Picasso, en los
primeros días del siglo XX, Gauguin se sintió inspirado y motivado
por el poder puro, y la simplicidad del llamado arte primitivo de esas
culturas extranjeras.
John Rewald, reconocido como
la autoridad principal del arte de finales del siglo XIX, escribió una
serie de libros acerca del período posimpresionista, incluyendo...
...Posimpresionismo:
De Van Gogh a Gauguin (1956), y un ensayo...
...Paul Gauguin:
Cartas a Ambroise Vollard y André Fontainas, incluidas en la obra de
Rewald...
...Estudio del Posimpresionismo, 1986, en donde discute los
años de Gauguin en Tahití, y la lucha por su supervivencia, visto a
través de la correspondencia con el comerciante de arte, Vollard, y otros.
Influencia Sobre Picasso
Las exhibiciones póstumas retrospectivas,
en el, Salon d'Automne, en París, en 1903,
y una aún mayor en 1906, tuvieron una poderosa y sorpresiva influencia sobre
el avant-garde francés,
y en particular, las pinturas de Pablo Picasso.
En el otoño de
1906, Picasso hizo pinturas de mujeres de gran tamaño desnudas, además de
figuras monumentales y esculturales que recordaban la obra de Gauguin, y
mostraba su interés en el arte primitivo.
Las pinturas de
Picasso de figuras masivas, en 1906, fueron directamente influenciadas por la
escultura, pintura, y escritura de Gauguin.
El poder evocado por la obra
de Gauguin, llevó directamente a Les Demoiselles d'Avignon, o, 'Las Señoritas de Aviñón', en
1907.
De acuerdo con David Sweetman, el biógrafo
de Gauguin, Picasso se volvió fanático de la obra de Gauguin,
desde 1902, cuando conoció y se volvió amigo del escultor y ceramista español, Paco Durrio (1875-1940),
en París.
Durrio, tenía posesión de varias obras de Gauguin, porque era
amigo de Gauguin, y un agente sin paga de su trabajo. Durrio, intentó
ayudar a su amigo en Tahití, que era afectado por la pobreza, fomentando su
obra en París.
Después de conocerse, Durrio presentó a Picasso, con el trabajo
con piedra de Gauguin, le ayudó a Picaso a realizar piezas de cerámica y
le dio a Picasso una primera edición de La Plume de Noa
Noa: The Tahiti Journal of Paul Gaugui, o, Noa Noa: El diario de Tahití de Paul
Gaugin.
Además de ver la obra de Gauguin con Durrio, Picasso también
la vio, en la galería de Ambroise Vollard, donde tanto
él como Gauguin fueron representados.
Acerca del impacto de Gauguin sobre
Picasso, John Richardson escribió,
La exhibición de 1906 de la obra de Gauguin,
dejó a Picasso como un esclavo de su arte, más que nunca. Gauguin demostró que
los tipos de arte más distintos--ni hablar de los elementos de la metafísica,
etnología, simbolismo, la Biblia, mitos clásicos, y muchas otras además--podían
ser combinados en una síntesis que era de sus tiempos, pero aun así eterna. Un
artista podía también confundir nociones convencionales de la belleza, él
demostró que es posible, al aprovechar sus demonios y llevarlos hacia los
dioses oscuros (no necesariamente los de Tahití) y acariciar una nueva fuente
de energía divina. Si en años futuros, Picasso pagó su deuda con Gauguin, sin
duda fue entre 1905 y 1907, cuando siente un parentesco cercano con este otro
Paul, quien se enorgullecía de genes españoles heredados de su abuela peruana. Si Picasso no se
hubiera firmado como, "Paul," en honor a Gauguin.
Tanto David Sweetman, como John Richardson,
señalan que la escultura de Gauguin, Oviri, (significa
salvaje), la figura fálica y espantosa de la diosa tahitiana de la vida y la
muerte, que era destinada para la tumba de Gauguin, y que fue exhibida
en la exhibición retrospectiva de 1906, fue áun más directamente lo que llevó a, Les
Demoiselles. Sweetman escribe, "la estatua de Gauguin, Oviri, que
ha sido mostrada en 1906, llegó a estimular el interés de Picasso, en la
escultura y la cerámica, mientras que los tallados de madera, reforzaron su
interés en los grabados, aunque fue el elemento de lo primitivo en todo aquello,
lo que más condicionó la dirección que el arte de Picasso, tomaría. Este
interés culminaría con la seminal, Les Demoiselles d'Avignon."
De acuerdo a Richardson,
El interés de Picasso en el gres fue aún más estimulado por los
ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin, en 1906, en el, Salon
d'Automne. La cerámica más traumante, una que Picasso pudo haber ya
visto con Vollard, fue la espantosa, Oviri. Hasta 1987, cuando el, Museo de Orsay, adquirió
esta obra poco conocida, exhibida solo desde 1906, nunca fue reconocida como la
obra maestra que es, sin decir el ser reconocida por su relevancia en la obras
que llevaron a, Demoiselles. Aunque mide menos de 30 pulgadas de
altura, Oviri tiene gran presencia, como debe ser un monumento para
la tumba de Gauguin. Picasso se vio golpeado por, Oviri. 50 años después
se sintió feliz cuando (Douglas) Cooper y yo, le dijimos que habíamos
encontrado esta escultura en una colección que también tenía el yeso original
de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica? Picasso se
estremeció, positivamente. Siempre aborreció admitir el rol de Gauguin que lo
llevó al primitivismo.
Técnica y Estilo
La orientación artística inicial de Gauguin,
fue de Pisarro, pero la relación dejó marca más grande personalmente, que
estilísticamente. Los maestros de Gauguin fueron Giotto, Rafael, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas y Cézanne.
Sus propias creencias, y en algunos casos, la psicología detrás de su obra,
también se vieron influenciados por el filósofo Arthur Schopenhauer, y el poeta, Stéphane Mallarmé.
Gauguin, como otros de sus contemporáneos
como Degas y Toulouse-Lautrec, emplearon una técnica para pintar en lienzo
conocida como peinture à l'essence. Para esto, el óleo (aglutinante) es drenado de la
pintura y el residuo de pigmento es mezclado con trementina. Gauguin pudo
haber usado una técnica similar cuando preparaba sus monotipos, usando papel en
lugar de metal, ya que absorbería el aceite dando la apariencia mate a las
pinturas que él deseaba. También lo probó algunos de sus dibujos existentes
con la ayuda de vidrio, copiando una imagen inferior en la superficie del
vidrio, con acuarela o gouache, para la impresión. Las xilografías de Gauguin
no eran menos innovadoras, incluso para los artistas, avant-garde, responsables
de revivir la xilografía en esa época. En lugar de grabar sus bloques con el
intento de lograr una ilustración detallada, Gauguin inicialmente
cinceló/talló sus bloques de una manera similar a la escultura de madera,
seguido por el uso de herramientas más finas para crear detalle y tonalidad
dentro de sus contornos audaces. Muchas de sus herramientas y técnicas, fueron
consideradas como experimentales. Esta metodología y uso de espacio, corrían
paralelos a su pintado de relieves planos y decorativos.
Comenzando en Martinica, Gauguin
comenzó a usar la proximidad en colores análogos para lograr un efecto
silenciado. Poco tiempo después de esto, Gauguin también logró avances
en el color no representativo, creando lienzos que tenían una existencia
independiente y vitalidad por sí solos. Esta brecha entre realidad de
superficie y él mismo, disgustó a Pisarro, y llevó rápidamente al fin de su
relación. Sus figuras humanas en esta época, eran también un recuerdo de su
amorío con las impresiones japonesas, particularmente la inocencia de sus
figuras, y su austeridad compositivas, que llegaron a ser influencia sobre su
manifiesto primitivo. Por esa misma razón, Gauguin también se vio
inspirado por el arte folclórico. Gauguin buscaba
una pureza emocional expuesta en sus temas, que estuviera transmitida de forma
directa, enfatizando formas grandes, y líneas verticales, que claramente
definieran forma y contorno. Gauguin también utilizó decoración formal
compleja y colores en patrones abstractos, intentando proveer armonía entre
hombre y naturaleza. Sus representaciones de los nativos en sus ambientes
naturales, son frecuentemente evidencia de la serenidad y sostenibilidad
autónomas. Esto aludía a uno de los temas favoritos de Gauguin, el cual
era la intrusión de lo sobrenatural a la vida
diaria, en una instancia llegando al extremo de representar antiguos relieves
egipcios, de las tumbas con las obra, Her Name is
Vairaumati, o,Su Nombre es Vairamauti, y Ta Matete.
En una entrevista con, L'Écho de
Paris, publicada el 15 de marzo de 1895, Gauguin explica que el
desarrollar su enfoque táctico, es alcanzar la sinestesia (en arte). Él declara:
Cada característica de mis pinturas, es
cuidadosamente considerada y calculada de antemano. Al igual que en la
composición musical, por ejemplo. Mi objetivo, el cual tomo de la vida diaria o
de la naturaleza, es meramente un pretexto, el cual me ayuda definiendo un
arreglo de líneas y colores para crear sinfonías y armonías.
No tienen ninguna
contraparte en realidad, en el sentido vulgar de tal palabra; no dan una
expresión directa de ninguna idea, sino que su único propósito es estimular la
imaginación--como la música lo logra sin la ayuda de ideas o
imágenes--simplemente con esa misteriosa afinidad que existe entre ciertos
arreglos de colores y líneas en nuestras mentes.
En una carta de 1888 a Schuffenecker, Gauguin
explica el enorme alejamiento que tuvo del impresionismo, diciendo que
ahora tenía la intención de capturar el alma de la naturaleza, las verdades
antiguas, y el carácter de sus escenarios y habitantes. Gauguin
escribió:
No copies la naturaleza literalmente. El
arte es una abstracción. Deriva el arte a partir de la naturaleza, mientras que
tu sueñas en presencia de la naturaleza, y piensa más acerca del acto de
creación que del resultado.
Otros Medios
Gauguin comenzó a hacer grabados en 1889,
además de una serie de obras de cincografía, encargadas por Theo van Gogh,
conocidas como el, Volpini Suite, que también aparecieron en la
demostración del, Café des Arts, de 1889.
Gauguin no dudó,
incluso con su inexperiencia en las impresiones, en escoger número de opciones
provocativas y heterodoxas, como la placa de zinc, en lugar de la piedra caliza
(litografía), márgenes
amplios, y largas hojas de papelógrafo amarillo.
El resultado fue vívido, al
punto de ser muy llamativo y chillón, pero presagiaba sus experimentos más
complicados con la impresión de color, y el intento de elevar las imágenes
monocromáticas.
Sus primeras obras maestras de impresión, fueron de, Noa
Noa Suite, de 1893-94, donde esencialmente él reinventó el medio de
grabado en madera, trayendo a esta a la era moderna.
Comenzó esta serie, poco
tiempo después de regresar de Tahití, ansioso por reclamar su posición de
liderazgo dentro del, avant-garde, y por compartir imágenes basadas en
su excursión a la Polinesia Francesa.
Estas impresiones en grabados de madera,
fueron mostradas en su exposición infructuosa de, Paul Durand-Ruel, en 1893,
estando la mayoría relacionadas directamente con pinturas suyas, en las que
recordaba la composición original.
Fueron mostradas de nuevo en una exposición
menor en su estudio, en 1894, donde cosechó elogios de las críticas por su
pintura excepcional, y efectos esculturales.
La nueva preferencia de Gauguin,
por los grabados en madera, no solo fue una extensión natural de sus relieves
de madera y escultura, pero pudo haber sido también provocado por su
importancia histórica, para los artesanos medievales y los japoneses.
Gauguin comenzó el monotipo con acuarelas
en 1894, posiblemente se solapó con sus grabados en madera de, Noa Noa,
tal vez hasta sirviendo como una fuente de inspiración para ellos.
Sus técnicas
permanecieron innovadoras, y fue un medio apto para él, ya que no requería de
equipo complejo, así como en el proceso de impresión.
A pesar de ser
frecuentemente una fuente de práctica para sus pinturas, esculturas, o grabados
asociados, su innovación en el monotipo, ofrece una estética etérea; imágenes
fantasmales que pueden expresar su deseo de transmitir las verdades
inmemoriales de la naturaleza.
Su siguiente proyecto importante, fue un
monotipo y grabado de madera, que llegó hasta 1898-99, conocido como, Vollard
Suite.
Completó su serie de iniciativa de 475 impresiones de unas veinte
diferentes composiciones, y las envió al comerciante Ambroise Vollard, a pesar
de no comprometerse con su solicitud de un trabajo estable.
Vollard no estaba
satisfecho, y no se esforzó por venderlas. La serie de Gauguin está
claramente unida con la estética blanca y negra, además, él pudo haber
pretendido que las impresiones fueran similares al conjunto de cartas
myriorama, en el sentido de que podían haber sido puestas en cualquier orden,
para crear múltiples paisajes panorámicos.
Esta actividad de ordenar y
reordenar, era similar a su propio proceso de dar un nuevo propósito
(readaptar) a sus imágenes y temas, así como una tendencia al simbolismo.
Gauguin
hacía las impresiones en papel japonés tan delgado como un pañuelo, y las
múltiples pruebas de gris y negro, podían ser ordenadas una encima de la otra,
con cada transparencia de color mostrándose, para producir un efecto rico
y claroscuro.
En 1889, Gauguin comenzó con su
experimento radical: dibujos con transferencia de aceite/óleo. Al igual que su
técnica de monotipo con acuarelas, era una mezcla entre dibujo y grabado.
Las
transferencias fueron la gran culminación de su cruzada por encontrar una
estética de propuesta primordial, lo cual, parece estar transmitido en sus
resultados que reflejan antiguos tallados, frescos desgastados, y pinturas de
las cavernas.
El avance técnico de Gauguin, desde el monotipo hasta las
transferencias de óleo, es bastante notable, avanzando desde pequeños bocetos,
hasta unas hojas afanosamente grandes y de calidad.
Con estas transferencias
creó profundidad y textura al imprimir múltiples capas en la misma hoja,
empezando con lápiz de grafito, y tinta negra para delinear, antes de pasar al
crayón azul, para reforzar líneas y agregar sombreado. A menudo Gauguin completaba
la imagen con una lavada de tinta de olivo o café, a la que le había quitado
aceite.
La práctica consumió a Gauguin hasta su muerte, alimentando su
imaginación y concepción de nuevas temáticas para sus pinturas. Esta colección
también fue enviada a Vollard, que nunca se sorprendió. Gauguin
apreciaba las transferencias de óleo, por la forma en la que transformaban la
calidad de la línea dibujada.
Su proceso, casi similar a la alquimia, tenía
elementos de azar por los que marcas y texturas inesperadas, surgían
regularmente, algo que le fascinaba. En la metamorfosis de un dibujo a una
pintura, Gauguin tomó la calculada decisión de renunciar a la
legibilidad, para poder ganar misterio y abstracción.
Gauguin trabajó en madera en el transcurso
de su carrera, particularmente durante sus períodos más prolíficos, además es
conocido por haber logrado resultados radicales en el grabado, antes de hacerlo
en la pintura.
Incluso en sus primeras exhibiciones, Gauguin solía
incluir esculturas de madera en sus muestras, por las cuales construyó su
reputación como conocedor de lo llamado primitivo.
Un número de sus primeras
grabaciones, parece haber sido influido por el arte gótico y egipcio.
En su
correspondencia, también señala una pasión por el arte de Camboya, y el color
magistral de las alfombras persas, y tapetes
orientales. (Wikipedia en español.)
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